DECALOGO: 1999 10 film 20 anni dopo la fine del millennio

Questa consegna di DECÁLOGO è dedicata alla nostalgia, e in particolare alla commemorazione del 20 ° anniversario di "Matrix", "Magnolia" e "Occhi chiusi"

Il 1999 è la fine del secolo, l'avvento del nuovo millennio, la paura e l'angoscia dominano i social network e i mass media incipiente; la realtà virtuale delle emozioni conferma il cambiamento del secolo e le sue probabili conseguenze del caos e della trasformazione; Un futuro incerto, il futuro e la sua follia, pretendono di disconnettere il mondo collegandolo e riavviando la sua storia dalla fine. La fine della storia, la sua riscrittura, o il fondo di un buco senza fondo, qualificano gli ultimi mesi dell'anno, la speranza non è una costante, temono una possibilità, la matematica minaccia di soccombere alle proprie regole attraverso acronimi presunti e indecifrabili in effetti Y2K ... Niente di tutto ciò è accaduto, come previsto, a zero ore il primo giorno dell'anno 2000.

Tutto è andato lentamente e lentamente, fino a quando all'improvviso, dopo gli eventi del 2001, nulla sarebbe stato lo stesso nel mondo, niente, nemmeno le paure sarebbero state le stesse, il noto sarebbe sconosciuto e la precauzione sarebbe verso l'imprevisto ; il cinema ha visto la fretta, lo stupore, il vuoto e l'abbandono, il suicidio collettivo della disperazione. Vari film girati, pubblicati o realizzati nel 1999 hanno avuto un ampio effetto in diversi generi, Rossetta e Himalaya nel cinema internazionale , Election, South Park e Office Tangles hanno suscitato sorrisi inaspettati come previsto, sono stati i successi di Inaspettati Miracoli, I ragazzi non piangono, Innocenza interrotto o Il talentuoso Mr. Ripley e Le regole della vita. Nastri di generazione come American Pie o Sex Games, scommesse innovative come The Blair Witch Project o commedie convenzionali, Un posto chiamato Nothing Hill, o un'azione come The Mummy, hanno saturato il passaggio definitivo dei cinema come i teatri per filmare complessi di abbondanti schermi di proiezione senza intermedi, gli stessi nastri al botteghino del drammatico, proprio nel mezzo del processo che avrebbe successivamente inviato nastri indipendenti di taglio artistico in stanze speciali con funzioni di orari non disponibili o di poco spettro per la visualizzazione.

Il 1999 ha visto la prima dello schermo di film diretti da registi consacrati come Lives to the Limit di Martin Scorsese , The Informant of Michael Mann , The Legend of the Headless Horseman di Tim Burton o A Simple Story di David Lynch, passando per il genere da allora resuscitato e affermato film d'animazione, come fece Tarzan, o il capolavoro che avrebbe visto nel 2000 il suo pieno riconoscimento: Beau Travail .

1999, anche se è il titolo di una canzone iconica dell'enorme Principe, è stato anche un anno pieno di eventi storici e circostanziali che hanno annunciato il cambiamento del postmodernismo in uno stadio ironico o pieno di paradossi, in cui la verbigracia di due dispositivi, siamo più vicini da chi è lontano, e più lontano da chi è vicino, dove i social network si incontrano e sono in disaccordo, di applicazioni, piattaforme e dispositivi che sarebbero il nuovo e personale luogo di intrattenimento, dove il grande schermo e i cinema iniziano a un'opzione ricreativa quasi esclusivamente per grandi produzioni o saghe.

Sarebbe dopo il 1999 che Harry Potter, Il Signore degli Anelli e l' Uomo Ragno, sarebbero arrivati ​​al cinema per lasciare il posto alla risurrezione del 3D in Avatar 1 decennio dopo o, dopo un altro decennio, per assistere al diluvio quasi interamente di film animati o supereroi, lasciando la porta aperta a quegli spazi per i nastri che curiosamente, dall'impersonale, sono diventati più personali. Ricordo bene il 1999, quell'anno ho vissuto le esperienze narrate nel mio romanzo El Surco e ho accompagnato le riflessioni con i nastri che DECÁLOGO presenta, dedicati alla nostalgia, e in particolare alla commemorazione del 20 ° anniversario di Matrix, Magnolia e Eyes ermeticamente chiuso L'ordine dei nastri avverte che ci sono così tanti grandi risultati, contenuti e produzione nel 1999, che condividono solo 10 forze per ricorrere all'attaccamento. Curiosità: la metà dei titoli sono opere crude, e il loro, il DECALOGO inizia con un'opera d'esordio del regista e si conclude con un film finale di un altro, che enuncia la creatività e la nuova verve che, combinata con l'ultimo pezzo da un'eredità, il cinema di quell'anno ha contribuito al canone della cinematografia universale.

10. AMERICAN BEAUTY (American Beauty) Dir. Sam Mendes

Vincitore del premio Oscar per il miglior film, il controverso debutto di Sam Mendes è diventato un film di successo e critico, quest'ultimo almeno all'inizio, perché a differenza della maggior parte dei film in cui viene rivalutato il suo contenuto, Beauty L'americano, d'altra parte, mostrava segni di sopravvalutazione di gran parte dell'inchiostro specializzato; Inoltre, forse era la prospettiva di un'era di nastri stimolanti, complessi e decostruttivi, la proposta di Mendes appariva anche come un occhiolino convenzionale o situata in uno spazio di conforto moralistico, come se attenersi ai desideri ricevesse una punizione. La verità è che il film ha una sceneggiatura audace e solide interpretazioni, in cui il cattivo sfortunato Kevin Spacey ottiene una sottile interpretazione, e Annete Bening si distingue per il manifestato disagio di noia, letargia e infelicità di ciò che sembra essere caduto nella monotonia ideale Dove niente è l'ideale.

La sceneggiatura di Alan Ball, accompagnata dalle interpretazioni di Wes Bentley, Mena Suvari e dell'esperta Chris Cooper, descrive le vicissitudini della famiglia Burham comune ma disfunzionale, esplora il quartiere dei sobborghi come un'arena di complicità, desideri repressi, approccio a il proibito, l'autocensura dell'apparenza e la simulazione come costante delle relazioni umane della classe media aspirazionale a cui si riferisce. Il titolo conferisce una ricerca che sembra aver trovato il significato della bellezza in ciò che è nascosto, dove i colori riflettono atteggiamenti, desideri e fantasie, mentre la realtà è crudele come quella che reprime e che ben riflette la musica composta da Thomas Newman . Ricordo quando andai a vedere il film all'alba dell'autunno del 1999, proprio all'inizio del semestre e con l'adrenalina del volgere del secolo che da allora era timida, la scena più scioccante, oltre a quella visivamente suggestiva e La sequenza classica della vasca da bagno e dei petali rossi a cui si collega, è stata quella in cui Lester, vestito con un'uniforme da lavoro, riceve Carolyn alla reception del fast food, rivelando di conseguenza il gioco.

9. IL GIGANTE DI FERRO (Il gigante di ferro) Dir. Brad Bird

Se l'avventura abitava tutte le dimensioni dell'immaginazione, allora l'immaginazione dovrebbe essere un'avventura. È così che potrei definire il film semplice e complesso The Iron Giant, un'opera principale del regista Brad Bird, che ha condiviso una scrivania con leggende dell'animazione come Tim Burton e John Lasseter, e ha dato sfumature con Matt Groening a dozzine di capitoli di Los Simpson durante le diverse stagioni. Caratterizzati dal ritorno dell'animazione sul piano stellare del cinema con l'elegante esperimento di Who cheat Roger Rabbit (1988) e The Little Mermaid nel 1989, gli anni '90 hanno visto la nascita di franchising, innovazione tematica e la fondazione di vari storie classiche, per radicare nel più profondo intrattenimento di tutte le età, film d'animazione come era stato nei decenni degli anni '40 e '50 con singolare successo. Disney ha guidato gli sforzi basati sulla leadership della sua tradizione, insieme all'alleanza che la società californiana avrebbe fatto fondendo Pixar, una società che ha fondato George Lucas negli anni '80, e ha catapultato il già citato John Lasseter con Toy Story nel 1995; in seguito altri studi avrebbero aggiunto al processo.

Bird, e il suo gigante di ferro, basato sul libro scritto dal poeta britannico Ted Hughes nel 1968, appaiono sulla scena alla fine del millennio, dove gli effetti visivi competevano, come oggi, per meravigliare le sale con effetti sempre più audaci, situazione che ha lasciato la linea molto alta per un animatore tradizionale.

Il gigante del ferro arrivò nelle sale nel 1999 e quando arrivò salutò le sale, senza molto rumore, senza molte aspettative, considerato un fiasco finanziario e una scommessa che difficilmente poteva recuperare il suo investimento; Tuttavia, i critici e gli spettatori che si sono dati l'opportunità di goderselo con il passare del tempo, hanno rivisto la meravigliosa esperienza che il film significa a livello emotivo e umano. Un'animazione mista tra tecnica tradizionale e innovazione, una storia che inizia fuori dal pianeta, attorno ad esso e che accade in una piccola città; una lezione di maturità e sensibilità di Hogard, la sensibilità dell'infanzia, l'entusiasmo di godere e meravigliarsi dell'ambiente, e che finisce per essere ogni giorno quando lasciamo davvero i sogni che ci hanno alimentato lo spirito quando eravamo piccoli.

Una storia ambientata negli anni '50, quando i film di fantascienza erano in pieno svolgimento, invasioni extraterrestri, così come la tensione nucleare della guerra fredda abitava conversazioni, immaginazione e ipotesi, qualcosa che non era lontano dal 1968 quando è stato scritto, né del 1999 quando la fine di un'era ha generato paura, incertezza e allo stesso tempo rinnovata speranza. Hogarth Hughes, in un cenno all'innovatore Howard Hughes, è il protagonista, nidificando nel suo comportamento, nella sua gioia, nella sua infanzia solitaria e curiosa, i desideri e i sogni che un bambino mantiene ed esprime nei momenti in cui l'immaginazione invita l'avventura, sempre pronta, sempre disposta a conoscere, scoprire, esplorare e in quelle ansie converge la visita del Gigante di ferro dallo spazio, l'avvistamento, l'incontro e l'interazione successiva, fanno una critica della modernità dalla postmodernità, uno sguardo agli ultimi 50 anni, la notizia dell'alba di un nuovo millennio e il futuro che, come mai prima, chiede ragioni e ignora i sentimenti anche se li provano.

Il gigante è in grado di sentire, ascoltare, essere cosciente e tutto, dalla sua amicizia con un bambino, è in grado di assumere la pace come messaggio, la pace come possibilità, come opportunità e nella ricerca di essere ciò che vuoi essere, cementare l'amicizia come valore unico; i cattivi non sono robot o esseri spaziali, abitano in mezzo a noi, ossessione, pregiudizio, paura di ciò che non capiamo, dicotomia della scienza, dualità delle invenzioni; il nastro avverte che gli eroi sono quelli che hanno il coraggio di essere ciò che vogliono, lontano dall'orgoglio, il messaggio abbraccia la ricerca dei sogni dalla ricerca del bene, e quel gesto lo allontana da sé, verso il "me" del supereroe, incontriamoci nel "noi". Brad Bird avrebbe avuto critiche monumentali e successi al botteghino, The Incredibles (2004) e Ratatouille (2007), nastri che gli avrebbero assegnato due Oscar per il miglior film d'animazione, e poi il film Mission Impossible: Phantom Protocol, la sua prima e unica data di completamento non animato, per molti, la migliore consegna della saga. L'immaginazione abita l'avventura dei veri protagonisti, le ragazze e i ragazzi che ci permettono di continuare ad abitare i confini della meraviglia, l'avventura di essere chi vuoi essere.

8. VUOI ESSERE JOHN MALKOVICH? (Essere John Malkovich) Dir. Spike Jonze

Innovativo, dinamico, complesso, fresco, audace, vuoi essere John Malkovich? È scoppiato come un ruggito nel 1999, l'opera di debutto di Spike Jonze, ha sconcertato coloro che non si aspettavano di vedere un film il cui personaggio centrale era la mente del protagonista senza esserlo, dove gli attori davano vita al protagonista. Un burattinaio, oltre alla curiosità occasionale, riesce a trovare la strada per il corridoio che conduce, sorprendentemente, alla mente dell'attore e del personaggio: John Malkovich. Se attualmente l'attore è riconosciuto come uno degli attori più diversi di Hollywood, nel 1999 lo era già, e ha chiuso 2 decenni di film diversi tra cui The Fields of Death and Dangerous Relationships, The Protective Sky o In the line of il fuoco, ma creare un nastro su come scoprire, svelare, esplorare la mente di un attore, non poteva che emanare da un'altra grande mente, Charlie Kaufman.

La sceneggiatura di Kaufman ha sconvolto l'industria con grande interesse e il film è stato ben accolto dalla critica che traboccava nel mettere in evidenza il gioco immaginario di entrare nella mente di una celebrità, una sorta di voyeurismo mentale, e lo presenta da un John Cusack splendido, incarnando un uomo timido che vede in questa circostanza riflettere il suo contrario, così come sua moglie, nel vortice di un'angoscia che si intona, apre la strada a una realtà alternativa. Abitare la mente di qualcun altro, disinibire le diverse personalità che sono dentro di noi attraverso l'interiorità dell'altro, un giudizio di alterità e specchio che il regista gestisce con maestria.

Spike Jonze è immediatamente decollato nei ranghi dei nascenti registi del nuovo millennio, è stato un anno propizio per sperimentare dal meno immaginabile, la mente dello spettatore dalla mente di un attore attraverso gli occhi di altri e altri attori, una sinergia di continua interpretazione che si è distinto nelle esibizioni di Cameron Díaz e Catherine Keener, che attraversano un tunnel che sorprende lo stesso che rivela, dagli spazi più remoti della mente, che siamo più simili di quanto pensiamo a John Malkovich.

7. TUTTO SULLA MIA MADRE Dir. Pedro Almodóvar

Il decennio degli anni '80 aveva significato per Pedro Almodóvar una tappa di straordinario successo, soprattutto a causa dell'enorme successo popolare e critico che ha raggiunto con Mujeres sull'orlo di un esaurimento nervoso, ma è stato alla fine degli anni '90 che I critici si arrenderebbero sicuramente al loro talento oltre a riconoscere i loro meriti narrativi: tutto ciò che riguarda mia madre ha riempito fortemente il cinema latinoamericano.

La complessità del suo tema, gli angoli convessi delle rivelazioni presentate dai suoi dialoghi e le azioni potenti, sensibili ed evocative, hanno reso la sua trama un modo audace, sentito e profondo di affrontare la perdita, la decisione e la trasformazione dell'essere prima della vita, caso e circostanza. La perdita di un figlio per il protagonista e l'incontro con se stesso per un altro personaggio, lasciano il presente a riparo, esigente, chiedendo il passato, una madre che cerca il padre di un figlio che è stato perso, un padre che non esiste più anche se vivo, perché è cambiato in qualcun altro, è riuscito a essere lei e in quella pienezza, l'identità e la ricerca di un posto tutto suo dalla perdita, danno al nastro del regista Manchego un assaggio di ciò che rimane di noi nelle perdite, nei trapianti che danno la morte danno vita e la maternità come concetto centrale del nastro.

Cecilia Roth, Marisa Paredes e Penelope Cruz offrono spettacoli pieni di forza, energia e carattere in un film in cui il suo regista esplora vari argomenti come omosessualità, transessualità, fede, esistenzialismo, il ruolo delle donne, la maternità compresa da un concetto macho, la liberazione di donne e uomini di conseguenza, fatalità e redenzione dall'arte. La recitazione in quanto tale viene avvicinata da un'attrice che soffre, stanca e sopraffatta, la stessa che recita, offre e recita nei ruoli che interpreta dalla solitudine.

6. IL SESTO SENSO (Il sesto senso) Dir. M. Night Shyamalan

Gli anni '90 sono stati caratterizzati dalla proiezione di film i cui finali sorprendenti hanno trasformato i cambiamenti della noce o della narrativa in una svolta letteraria che ha regalato al pubblico esperienze esilaranti ed estremamente emotive, I sette peccati capitali, Il club di lotta, La radice della paura, Common sospetti, Sogni di fuga, sono alcuni dei film il cui atto finale è stato una vera tempesta di emozioni inaspettate e dibattiti forzati. Il sesto senso si sarebbe unito a questa lista ma lo avrebbe fatto dalla suspense, che non terrorizzava; dal dramma, che nessuna tragedia; dall'aspettativa, non dalla determinazione.

I personaggi sono coinvolti in una dinamica che esplora la morte come presenza, la testimonianza come una missiva e la telecinesi come possibilità interdimensionale della propria vita. Un bambino, Haley Joel Osment, affronta il suo dottore che in psicologia varrà la pena di trovare il parassicologico e lo spirituale nella stessa ricerca, confessando di essere in grado di vedere i morti e anche di più, di contattarli in qualche modo; Bruce Willis, il dottore, con un passato burrascoso verso i suoi pazienti nella tragedia, ascolta e si occupa del presunto paziente mentre osserva in silenzio il comportamento disperato della madre, Toni Collette, per trovare una spiegazione per ciò che accade. Una storia di redenzione o un manifesto verso la vita, dai sensi o da quel sesto senso che si sente oltre ciò che i vivi possono sentire, colloca l'opera prima di M. Night Shyamalan come uno dei migliori film di La suspense della storia, che sebbene sia caduta nel cliché e il ghigno del pubblico a causa della sua popolarità, rimane un risultato cinematografico di primo contatto che brama di vedere immediatamente il secondo, come è stato possibile assemblare la trama in modo tale che il il pubblico non nota la fine finché non si manifesta.

L'integrazione di una narrativa suggestiva che non rivela, che nasconde ma mostra, agita le reazioni dello spettatore come un assioma atteso, ma attende spiegazioni per una reazione avversa, la complessità di assemblare la trama come reazioni senza rivelare certezza, ha il sesto senso una pletora di risposte dallo stesso mistero, una formula che il suo regista ha cercato di ripetere con ineguale successo in diversi film e che è stato anche imitato in alcune altre realizzazioni. Lo stampo creativo di Shyamalan ha indubbiamente motivato il design di uno stampo di manifattura sottile, come ottenere la realizzazione di un film con una fine sorprendente, che provoca un secondo sguardo e che al terzo sembra perdere l'impatto della prima vista in quasi la sua la totalità, vale a dire, è un nastro sorprendente che al primo contatto, a prima vista, suscita la precedente esaltazione di tutti i sensi prima del sesto.

5. THE Fight Cub CLUB Dir. David Fincher

Basato sul romanzo postmoderno, simbolo della X generazione e scritto da Chuck Palahniuk, The Fight Club è uno dei film più abbaglianti e lucidi nella sua stessa confusione, dall'ultimo anno degli anni '90. caldo di critica e botteghino all'inizio, a poco a poco stava guadagnando rispetto, riconoscimento e un gran numero di seguaci che lo posizionano come un film oltre il culto, generazionale, definitivo della fine del secolo.

Diretto da David Fincher, il fight club esplora vari temi basati sulla ricerca di un posto tutto suo, per una ragione esistenziale e per l'identità coinvolta nella violenza, nel sollievo, nella schizofrenia o nello stress della vita quotidiana. La dimensione narrativa sviluppa la doppia personalità o multi-personalità ancorata a ciò che siamo, ciò che non vogliamo essere e ciò che desideriamo rimanere nel mezzo, con un narratore che soccombe alla realtà mentre si allontana da essa per concentrarsi su La mente che lo pronuncia. Il fight club è una ricerca costante, una chiamata disperata, il senso di manifestare appartenenza a non appartenenza a nulla. La prima regola di un progetto Mayhem non è parlare del progetto Mayhem, e in quella linea che si riferisce alla segretezza di un desiderio, la sceneggiatura sostiene il conflitto di unire qualcosa o qualcuno, anche a noi stessi.

Tyler Durden è diventato un riferimento, un personaggio emblematico che inizialmente ha un volto e che, man mano che il film avanza, rivela un altro per rendersi conto che non è né l'uno né l'altro, ma tutti; in questo modo il club è un luogo di incontro per gli smarriti, gli infelici o gli esseri in cerca, e la lotta non è altro che un significante dell'atteggiamento e della violenza, la possibilità di trovare uno spazio in cui non vi è alcuna probabilità di trovati. Edward Norton, Brad Pitt, Jared Leto e Helena Bonham Carter, integrano un cast corollario che nidifica nei colori verde e marrone, nero e grigio di un edificio abbandonato di umidità ocra, dove cospira, confessa, definisce senza più parole di pugni e l'energia davanti alla società che emana da loro.

4. NON UN MENO (nessuno in meno) Dir. Zhang Yimou

Maestro di cinematografia universale, Zhang Yimou presenta in Nessuno dei due un film intimo, sensibile e realistico che trascende l'arte per diventare universale dall'umanità della sua storia. Ambientato in un ambiente rurale di emarginazione e resilienza, non meno uno presenta una storia che contrasta lo sviluppo della Cina d'avanguardia e tecnologica, con la Cina rurale per il consumo agricolo e le scuole che soffrono di sussistenza. Una scuola senza insegnante, un'insegnante assente dal dramma familiare, un'insegnante sostitutiva che non ha più degli anni di ingresso dell'adolescente, per sommergere non solo la responsabilità dell'insegnamento, ma quella della genitorialità che deve essere applicata per prevenire che nessun bambino lascia l'aula sulla premonizione che, se non lo facesse, non potrebbe riscuotere il suo pagamento, ma la storia trascende lo stipendio per empatia. L'aspirazione di ciò che la scuola significa trascende ciò che l'educazione stessa significa; nel momento in cui uno dei bambini abbandona per circostanza e contesto, e lei assume di andare verso la città per lui, i rischi e le vicissitudini del viaggio non contano.

È la responsabilità assunta, l'impegno, a restituirlo, e in quella tenacia, Yimou dispiega le sue risorse narrative e visive per realizzare un film di pieno neo-realismo. Come documentario, in un misto di finzione e realtà, il famoso regista presenta realtà alternative, parallele alla dualità dello sviluppo economico che lo coinvolge, un film altrimenti emotivo, che è stato incredibilmente bandito dal Festival di Cannes, e che vincere chiaramente il Leone d'oro della Mostra del cinema di Venezia. La dicotomia narrativa di Yimou è una traccia che catapulta il nastro come uno dei referenti del nuovo realismo del cinema asiatico e uno dei film più affascinanti del decennio.

3. MAGNOLIA (Magnolia) Dir. Paul Thomas Anderson

Paul Thomas Anderson condensa la caduta della postmodernità e la sua ricerca di identità in un pezzo di dolore, rimpianto, vuoto e disperazione; ciascuno dei personaggi interconnessi con il caso o con la sfortuna porta nelle loro linee, e specialmente nelle loro espressioni, la somma di tutte le paure e le ansie che corrispondono alla mancanza di amore, attaccamento e motivi. La ricerca di uno stato di felicità che sembra non esistere, le dimissioni, i sogni lucidi o le maschere che coprono le intenzioni segrete caratterizzano le note musicali di una canzone condivisa, di una risata gentile, di una richiesta rotta, di un tentativo fallito e di buone azioni senza scopo o significato . American Beauty è stata coniata come film premio Oscar per il miglior film, ma un film uscito nel dicembre 1999 sarebbe ricordato, non nella storia, come un avvertimento permanente da una società che continua a cercare il suo spazio nel momento sbagliato: magnolia. Magnolia è una bella pagina nella storia del cinema contemporaneo, bella anche se fa male, bella anche se spaventosa, bella anche se in sé sembra deplorevole o poco attraente.

La pletora di grandi spettacoli lascia il segno come se la carta fosse quella tela dove si adattano le maree, i tremori e l'arcobaleno alla fine della tempesta. Julianne Moore, John C. Reilly, Philip Seymour Hoffman, William H. Macy, Felicity Huffman e Jason Robards - nel suo ultimo ruolo -, tra gli altri, accompagnano la potente, cinica, sensibile e forse la migliore interpretazione della carriera di Cruise, a fare di Magnolia uno dei migliori film del decennio, una riflessione individuale e collettiva sul paradosso, i sentimenti, gli attaccamenti, la conferma di un grande regista e l'avvento di una pioggia impregnata degli aromi postmoderna più vuoti. Tom Cruise ha vinto il suo terzo Golden Globe e la terza nomination all'Oscar come miglior attore non protagonista, per il ruolo di Frank TJ Mackey, un personaggio che è diventato un cult per coloro che analizzano, studiano e riconoscono il cinema di Thomas Anderson

La magnolia gravita momenti realistici, grezzi e sconcertanti, così come pende intervalli surreali vestiti di esistenzialismo, disagio e incertezza; La causalità e il caso sopraffanno e liberano, puniscono e riscattano le piccole cose della vita come un doloroso caleidoscopio di respiro e respiro. La canzone ufficiale del film, "Salvame", ritrae nella sua lirica con grande precisione, quella nebulosa fratellanza di possibilità e contesto, l'urgente richiamo dei personaggi a salvarsi e nell'angoscia di non trovare la salvezza in se stessi, di lì, la concatenazione di storie solleva un cerchio di unioni trasversali che trovano punti concentrici per il dolore e punti sparsi per l'abbandono. Il film è un esempio narrativo della postmodernità in cui vive e del nuovo millennio che sfiderà i legami emotivi con legami virtuali.

2. MATRIX (Matrix) Dir. Wachowski Brothers

Abitare una realtà che ci viene data e darla per scontata, fa parte della sopravvivenza della vita, ma sfidare il dogma, dubitarne, scoprirne l'origine e scoprire la possibilità di una realtà alternativa che ci circonda, invita lo spettatore a inserire in quello spazio-tempo che può manipolare energia, movimento statico e dinamico. L'estate del 1999 attendeva con impazienza il ritorno di Star Wars nell'episodio I, per svelare l'inizio di Darth Vader attraverso Anakin Skywalker, cattivo ed eroe per eccellenza dei successi, protagonista del cinema contemporaneo e che quest'anno celebra 4 decenni di definizione del modo in cui presentare la mitologia e i suoi miti classici nel cinema, un processo vitale che dà senso alla sua narrazione. Tuttavia, l'estate di quell'anno ha visto anche tra gli altri film il terribile fallimento di Wild, il selvaggio West con Will Smith, e la controversa première estiva, il controverso film finale di Stanley Kubrick, Eyes strettamente chiuso, con Nicole Kidman e Tom Cruise .

Mentre l' episodio I ha saturato il botteghino impregnato di avidità e nostalgia, e Eyes ben chiuso ha provocato il pubblico del thriller psicologico, Matrix, dei fratelli Wachowski, ha dato l'estate allo stupore degli effetti visivi e dell'intrattenimento dell'estate, lasciando un Estate permanente che è diventata un'icona visiva della fine del secolo. Neo, interpretato da Keanu Reeves, è il riflesso della postmodernità, dove le possibilità della struttura e della funzionalità dei sistemi soccombono a nuove credenze. Matrix persegue e rivela le religioni, i sistemi politici e gli affetti dati dalle dimissioni o dalle consuetudini, per rendere gli "eletti" un'alternativa emancipatoria alla realtà. Neo cerca di liberare e trasformare la propria vita quotidiana nell'abilità che controlla il suo ambiente e ridimensiona, dove per i fratelli Wachowski il messaggio stesso è una sfida.

Gli effetti usati in Matrix, sebbene ispirassero le coreografie successive e lasciassero un segno indelebile sulla tecnologia al servizio del cinema, ebbero un impatto tanto risonante quanto i suoi protagonisti; non è un caso che per la saga di John Wick, Fishburne, abbia accompagnato Reeves sul palco e che le coreografie sfidino ancora una volta il vento. È divertente, Wick è retrocesso dalla realtà e sembra essere scelto, Neo è un prescelto che sfida la realtà. Il futuro mostrerebbe che i registi nella loro stessa esperienza avrebbero reso la vita una sfida a ciò che è stato dato spostandosi verso il desiderio, in un chiaro messaggio di emancipazione esistenzialista. Verso la fine di quell'anno e quando il secolo finì per iniziare il nuovo millennio, diversi film fecero un'ammaccatura nella " fondazione " familiare, religiosa e spirituale . La bellezza americana, il sesto senso di M. Shyamalan o Magnolia di Paul Thomas Anderson, provocherà coraggi ammiccanti di disturbo rivelatore, le stesse sensazioni prigioniere che convergevano in Matrix quell'estate del 1999.

1. OCCHI BEN CHIUSI (Eyes Wide Shut) Dir. Stanley Kubrick

Epitaffio artistico nell'opera di un provocatore di desideri, un'esplorazione inquietante della libido risvegliata, che il regista non aveva esplorato dalla splendida Lolita (1962), superbo adattamento letterario di Nabokov. La relazione coniugale che trasforma l'amore in consuetudine, il gusto nella brama delegata, la volontà della monogamia nella fantasia che viene repressa e poi espressa nei giochi della mente, lascia il posto a un film che ha fatto un gran male I convinti critici di Kubrick e, a sua volta, hanno aperto un dibattito artistico tra i suoi seguaci. Proprio alla fine del secolo e alla vigilia del nuovo millennio, Eyes well closed è presentato come una visione doppia morale dell'aristocrazia di fronte all'infedeltà, all'etica e con maggiore audacia, come una revisione delle questioni tabù della società postmoderna, il traffico e la prostituzione come un problema della città, alla copertura della polizia dagli abusi e da quell'interrogatorio sociale, entra negli incubi bluastri di un matrimonio che vive la crisi della tentazione e della fiducia simili al bisogno di confessione .

Tom Cruise e Nicole Kidman portano il loro rapporto nella vita reale con la fiction adattata dal romanzo Traumnovelle, scritto nel 1926 da Arthur Schnitzler attraverso i personaggi William e Alice Harford. E come corollario di una realtà che è confusa con la fantasia, più di 2 anni di riprese e altre circostanze contestuali, hanno portato la coppia a divorziare e Kubrick a consegnare il suo ultimo film, interpretando anche i registi Todd Field e Sidney Pollack, postumo. Una notte attraverso la città e la sua periferia, un viaggio attraverso le strade e le sue ombre, attraverso la città e i suoi costumi, affronta la dubbia dualità di una rivelazione maliziosa che Alice fa a William, e che genera i passaggi di un'orgia visiva motivata da l'identità dietro la maschera e la concupiscente sessualità del desiderio quando viene espressa. Il titolo sembra avvertire lo spettatore dall'ironia, gli occhi saranno più aperti al presupposto del "avrebbe" che procede dal proibito. Un nastro natalizio satirico rilasciato nell'estate del 1999, che nel corso degli anni è stato rivalutato e considerato cult. Kubrick è morto prima della premiere, forse il sollievo dello scandalo lo avrebbe impiegato diversi anni prima che i critici condividessero il brivido di Cruise come il dottor Harford alle misteriose password della notte e ai loro rituali.

20 anni dopo, l'esplorazione dell'interiorità del Dr. Hardford, la quiete disperata di Alice per la rinascita del desiderio dal desiderio riversato nell'incubo del sonno, o la fratellanza di maschere che nascondono identità per acquisire altri nella danza di ciò che banditi e alla luce dell'occulto, continuano a svelare ogni tipo di interpretazione e giudizio d'opinione, che hanno rivisitato il nastro per collocarlo come uno dei più complessi, psicologicamente parlando, del famoso regista. Sarà che il postmodernismo si allontanerà per ospitare una fase di eventi urgenti a livello personale e sociale, nell'interconnessione dei mediati, la fuga dell'urgente.

La verità è che l'ultimo film di Kubrick ha resistito al tempo e ha guadagnato più forza di quanto non fosse nelle polemiche 2 decenni fa, lasciando non solo l'ultima traccia o testamento filmico del suo regista, ma come un film che ha osato indagare i tormenti dell'autocensura, dei desideri repressi o della noia dell'amore che cerca altri confini per rinnovarsi, dai recessi della mente e dei suoi tormenti, si riversò nei doppi standard delle intenzioni segrete della fine di un millennio che furono avvistate in altro. 1999, 2 decenni dall'inizio e dalla fine di un secolo, e per noi oggi, all'alba di un nuovo decennio.

Immagine di copertina: Eyes Wide Shut, Stanley Kubrick (1999)

* Scrittore e documentarista. Considerato uno dei principali esponenti della letteratura testimoniale americana ispanica. È autore dei romanzi El Surco, El Ítamo e le poesie Navigate Without Oars e Cardinal Points, che affrontano la migrazione universale e sono state studiate in varie università in tutto il mondo . Ha diretto i documentari The Human Voice and Rest Day . È direttore editoriale di Filmakersmovie.com.