DECALOGO: Quentin Tarantino (9 film e una favola di questo grande regista)

C'erano una volta 9 film e una favola

C'era una volta a Hollywood, il nono film nel canone cinematografico di Quentin Tarantino è stato accolto con buone recensioni e gli applausi del pubblico, che ha riconosciuto l'ambientazione come il miglior contributo del film, un ritratto della fine degli anni '60, situato nell'estate del 1969, anno ricordato per l'omicidio della modella Sharon Tate, coppia dell'allora controverso ma enigmatico regista Roman Polanski, per mano di una setta ispirata ai discorsi e ai dogmi di Charles Manson. Oltre al design di produzione, il pubblico e la critica che si sono incontrati al Festival di Cannes, hanno tenuto una volta a Hollywood le esibizioni di Leonardo DiCaprio, Brad Pitt, Margot Robbie e Al Pacino, tra gli altri.

La premiere del film coincide con il 25 ° anniversario della realizzazione di Violent Times, l'innovativo, irriverente, eclettico, postmoderno e affascinante film dello sceneggiatore Tarantino, che ha consolidato la carriera del regista e aperto una nuova prospettiva narrativa alla cinematografia degli anni '90, che ha visto uscire diversi nastri tra crimine, crocevia, complicità, romanticismo e violenza, che sono rinati dal cinema noir . I sospetti comuni, diretti da Brian Singer e scritti da Christopher McQuarrie, o la nuda Los Angeles di Curtis Hanson, erano alcuni dei nastri straordinari che hanno continuato il successo prodotto dalla corruzione giudiziaria di Abel Ferrara, Fire Against Fire di Michael Mann e la commedia Insegnante di cani di riserva, che Tarantino stesso aveva giustamente firmato come sua prima opera.

Fin dalla sua comparsa nell'industria cinematografica, il cinema di Tarantino ha attirato l'attenzione sulla sua proposta narrativa a livello di sceneggiatura e sulla sua coreografia visiva che ha concatenato la trama con sequenze cariche di musica, energia, tensione, umorismo e sì, anche la violenza; Questo è il motivo per cui l'approvazione del critico è stata considerevole e a livello di pubblico hanno trasformato il regista, film per film, in una calamita al botteghino e un'attrazione intrinseca per i festival cinematografici, nonché un'icona di adorazione e studio nei programmi di studio cinematografici. .

DECÁLOGO dedica questa consegna come commemorazione del 25 ° anniversario della premiere di Violent Times, il film di base che rilancerà la carriera di John Travolta, e allo stesso tempo si aggiunge alle aspettative causate da C'era una volta a Hollywood, rivedendo il nove film del regista nato a Knoxville, che sono passati dal cinema indipendente al cinema di studi e sono stati fondati per i suoi meriti, basati su vari registi e onorando mitici film classici, come segno record nella cinematografia universale.

Ricordo di aver visto tempi violenti al cinema, e sebbene non ci fossero restrizioni o almeno non ce l'avessi per vederlo, devo ammettere che, tendendo a preferire altri tipi di registi, è stata un'esperienza da altri esilarante. Criticato da alcuni, vantato da altri, Tarantino scatena passioni che peseranno anche la sua capacità di concatenare le sue sceneggiature in modo non lineare, che nega l'abuso di sangue o violenza come risorsa di morbilità e attrazione. La verità è che visivamente e strutturalmente dalle sue sceneggiature, il cinema di Tarantino provoca e genera il dibattito che permea la linea della seduzione con dolore; per alcuni sopravvalutato, per altri poco riconosciuto, il suo lavoro è diventato causa di aspettative per regista e pubblico, e nel suo passo la sfida nella sfida. L'ordine dei nastri presta attenzione, come nella maggior parte dei decaloghi, all'attaccamento, al gusto o all'impatto personale nei confronti del lavoro del canone del direttore agnostico membro dell'Accademia di arti e scienze cinematografiche.

10. COMPLEANNO DEL MIO MIGLIOR AMICO (Compleanno del mio migliore amico) 1987

Il titolo di questo decalogo serve nove nastri e una favola, e sebbene la favola possa riferirsi al titolo del film più recente del regista, sottolinea un film parzialmente perduto. Girato in bianco e nero e con una durata iniziale di 70 minuti, il film ha subito l'incendio di molti dei suoi negativi in ​​un incendio ed è considerato nel suo concetto di film perduto; tuttavia, sono sopravvissuti circa 30 minuti e sono stati montati come vestigia del pluripremiato esercizio del primo regista. Nell'assemblea troviamo elementi narrativi del regista, come dialoghi derivati ​​e movimenti angolari della telecamera che giustappongono la sequenza in movimento, nonché la sua performance non lontana da quelle che vedremo nei nastri successivi. Girato in 16mm per quasi 4 anni, in cui il regista ha lavorato in Archivi Video, negozio in affitto e raccolta di film in California, affronta l'amicizia e la ricerca di uno stato felice senza trovarlo.

Il film ha acquisito sfumature di culto non solo per il significato che conferisce al primo approccio del regista, ma perché conferma la tendenza romantica e l'influenza filmica dei negozi di film degli anni '80, che erano laboratori di idee e progetti, come In seguito rifletterà Michel Gondry Rewind .

9. DJANGO WITHOUT CHAINS (Django Unchained) 2012

Sebbene Tarantino avesse evocato dall'ambientazione dei suoi film varie epoche, ad esempio Jackie Brown con una sfumatura degli anni '70, e la realizzazione di Bastardi senza gloria situati nella Seconda Guerra Mondiale, non è fino a Django senza catene che esplora un Era che a livello cinematografico ebbe un grande impatto sul giovane Tarantino, il selvaggio west. Lo stesso regista ha sottolineato l'influenza che il nastro Il buono, il brutto e il cattivo hanno avuto nel suo lavoro, e non sorprende che l'insegnante Ennio Morricone abbia incluso alcuni temi in questo film e in seguito, nonostante i suoi disaccordi, ha composto interamente la musica originale del seguente progetto del regista.

In Django senza catene possiamo notare l'influenza che i nastri giapponesi hanno avuto nella metà del diciannovesimo secolo e i film del selvaggio west in trono di registi americani come Sam Peckinpah e dall'altro il gruppo di cineasti in cui spicca il grande Sergio Leone e questo ha reso gli spaghetti occidentali un genere in sé. Tarantino definisce lo sviluppo della sua trama nella Guerra Civile, così come nelle spedizioni, contesti complessi, profondi e dolorosi di schiavitù, discriminazione e appropriazione della terra.

Leonardo DiCaprio, Jamie Foxx, Samuel L. Jackson e Christoph Waltz guidano il cast di questo film che tra redenzione, emancipazione, aggiustamento dei conti e critiche sociali sulla tratta di esseri umani, sviluppa un viaggio di accordi, alleanze leali, accordi ingiusti e una storia d'amore, riversati nello stile visivamente violento del regista, che offre splendidi paesaggi e orizzonti ramati che creano un'atmosfera di terra e sangue evidenziata nella fotografia di Robert Richardson. Django senza catene ha assegnato a Tarantino l'Oscar per la migliore sceneggiatura originale, così come Christoph Waltz il suo secondo riconoscimento come miglior attore non protagonista, ripetendo la vittoria nella stessa categoria e sotto gli ordini dello stesso regista.

Diversi elementi spiccano sul nastro. Da un lato è il primo film di Tarantino il cui montaggio non era responsabile di Sally Menke, morta 2 anni prima, e dall'altro, secondo il regista, gli ha permesso di affrontare il problema dello schiavo schiavo del suo paese senza approfondire aspetto sociale dei suoi vari temi, ma cercando di far ammaccare la realizzazione cinematografica.

8. Gli 8 più odiati (The Hateful Eight) 2015

La sua posizione nel decalogo serve più al gusto per la numerologia, sebbene possa ben occupare la posizione precedente. Questo franco tributo al cinema di Akira Kurosawa, così come gli spaghetti western di Sergio Leone, ha ricevuto un caloroso benvenuto da parte della critica e del pubblico ed è attualmente ricordato per aver finalmente assegnato l'Oscar per il miglior punteggio Originale in concorso a Ennio Morricone e in particolare, per essere stato girato in Panavision 65mm e successivamente trasferito nel glorioso 70mm che legge la pubblicità del nastro, che ha ricordato, tra gli altri, i formati gloriosi come il Cinemascope degli anni '50, che Si sono distinti anche per la loro innovazione tecnologica nei tendoni teatrali, che hanno offerto fin dall'inizio una promessa romantica per la sua prima. Samuel L. Jackson, Kurt Rusell, Jennifer Jason Leigh, Tim Roth, Michael Madsen, Demian Bichir, Walton Goggins e Bruce Dern integrano il cast di questo film che, filtrando la sceneggiatura nel 2013, sembrava non vedere la luce fino a quando Tarantino non ha deciso Infine, per renderlo non come un romanzo ma come un film.

Per questo film è stato ispirato dall'enorme serie televisiva degli anni '60, come Bonanza, e dal tema della sollecita vendetta che ha rafforzato l'argomento di The Seven Samurai del già citato Kurosawa, il suo adattamento The Magnificent Seven of John Sturges e The Unforgivable Clint Eastwood, sottolineando il cameratismo, l'amicizia e la lealtà del gruppo fuorilegge che dà una debole ma sostanziale differenza rispetto al senso di tradimento o sospetto che prevale nei nastri del gruppo di altri registi. Allo stesso modo, Tarantino medita sulla sceneggiatura con dialoghi vaghi che si combinano con lo sviluppo del thriller e amalgamano la tessellazione dell'umorismo nero con la derivazione di una tragedia con il senso generico della redenzione dei suoi personaggi, mettendo in evidenza le prestazioni di Jason Leigh soprattutto, che è stato nominato per la migliore attrice non protagonista. La fotografia di Robert Richardson è di mio gradimento se non il migliore, uno dei migliori di gran lunga nel canone Tarantino, sottolineando l'uso dei colori nero, bianco e rosso, che chiariscono il contrasto della montagna, della pianura, del Prato e paludi.

Tarantino sottolinea il numero dei suoi film e il titolo ricorda allo spettatore che è l'ottava puntata della sua offerta cinematografica, a cui ha promesso di aggiungere 10 cartoline, questa è una cartolina a lungo termine nella sua versione espansa, che include un intermedio nello stile più puro delle proiezioni che potremmo ancora godere come una specie di due lotti in uno fino alla fine del secolo scorso.

7. JACKIE BROWN (Jackie Brown) 1997

Personalmente, la sceneggiatura di Jackie Brown sembra splendida, da un lato attenta, continua e precisa, dall'altro aperta, dinamica e spontanea, è anche l'unico adattamento diretto che Tarantino ha fatto di un'opera letteraria, in questo caso di il romanzo Rum Punch di Elmore Leonard. Con Pam Grier, Robert De Niro, Bridget Fonda, Samuel L. Jackson (vincitore del miglior attore al Festival di Berlino), Michael Keaton e lo splendido Robert Foster (candidato all'Oscar come miglior attore non protagonista), Jackie Brown ha un fotografia di tonalità ocra bluastra, tipica del fotografo messicano Guillermo Navarro, che combina perfettamente la struttura più lineare del suo argomento rispetto ai nastri dell'altro regista.

La violenza è più tenue in sintonia e i dialoghi comportano una concatenata risoluzione di situazioni che portano all'estremo il carattere di Grier, passando da un lavoro come assistente di volo all'alto rischio di contrabbando in una sorta di cerchio senza fine o percorso di non ritorno, e la conversione del protagonista da innocente a delinquente in testimone, guidando il processo in una strategia che non perde umorismo e domande profonde che enfatizzano questioni complesse o controverse. Tarantino affronta il determinismo, il razzismo, nonché l'adattamento e l'affermazione del linguaggio come offesa, difesa e potere, ponendo l'identità come elemento fondamentale che va oltre la trama stessa.

6. GLORIA BASTARDS (Bastardi senza gloria) 2009

Uno dei film più lunghi del regista nativo del Tennessee, Bastardos senza gloria presenta una proposta narrativa di narrativa alternativa su un fatto storico, sviluppando a livello letterario la licenza creativa per supporre, interpretare o adattarsi da un fatto reale o eventi storici immaginari da un situazione alternativa (il fatto: la seconda guerra mondiale; l'alternativa: i bastardi e la loro missione).

Brad Pitt, Melanie Laurent e Christoph Waltz recitano in questo film che riunisce storie intrecciate con un duplice obiettivo, vendetta e giustizia, o punizione e vendetta, e per questo ricorre a una sceneggiatura ucronica sulla Seconda Guerra Mondiale e il nazismo . L'alleanza implicita dei personaggi attorno all'eliminazione dei nazisti o all'accusa di vendetta per i loro crimini contro l'umanità, fornisce un corollario di complicità involontaria ma efficace, che unisce soldati dell'esercito alleato e membri della Resistenza in un comune resiliente. Le storie si muovono lungo linee parallele che, si nota, si troveranno a un bivio con un evento narrativo, fornito da cause che funzionano come nodi o legami, la vocazione di giustificazione, la promessa di giustizia e la punizione del crimine. Il regista presenta quindi una proposta di desiderio per coloro che desiderano aver compiuto queste azioni o che si siano verificati; etica morale, doppi standard, intenzioni segrete, desideri manifesti, rabbia, indolenza e ignominia, permeano la trama e collegano non solo le storie ma gli scopi di un passato che è accaduto, ma che il regista avrebbe voluto accadere in modo diverso, non nel risultato dell'evento, ma nella ricerca della giustizia per gli offesi.

Il cuore del film è il cinema, una funzione la cui proiezione può far convergere l'orizzonte degli eventi, in cui i personaggi e le loro rispettive missioni raggiungono un livello di epifania; Potrebbe essere classificato come uno dei film più viscerali del regista, dove la ragione, il perdono o il compiacimento sono inammissibili di fronte all'atrocità e alla sporcizia, una posizione manichea intenzionale che, al dibattito del pubblico, critica e analisi storiografica di una posizione fittizia, rivisitando come un nastro audace nella sua realizzazione ma soggetto ai giudizi della storia.

5. C'ERA UNA VOLTA A HOLLYWOOD (C'era una volta a Hollywood) 2019

Il nono film di Quentin Tarantino, avvertito nella promozione del film, come un avvertimento che si avvicina il decimo (e con esso il ritiro auto-promesso del regista), c'era una volta a Hollywood che ci ricordava dal suo titolo al nastro. Una volta in Messico, diretto dal collega e amico del regista Robert Rodríguez, ma posizionando il suo tema come una storia parallela alla storia stessa, come ha fatto a Bastardos senza gloria . Leonardo DiCaprio, Margot Robbie, Brad Pitt e Al Pacino, tra i grandi protagonisti, recitano in questo film che fissa brillantemente il contesto storico e culturale del 1969, tra psichedelia, movimenti sociali e l'arrivo dei primi visti post-moderni.

Un omicidio e la setta che lo ha realizzato sono il motivo storico della vera Hollywood, mentre la trama di un attore e un doppio completano la favola Hollywood che mostra un umorismo volontario e involontario mescolato a psicosi, crimini e ideologie convergente tra le varie forme di esistenzialismo, anarchia e sottomissione ai sistemi prevalenti. Il crimine e lo sciame misterioso nei vericuetos e nelle vicissitudini della coppia formata da DiCaprio e Pitt - in cui Tom Cruise sembrava essere incorporato, con cui il regista voleva lavorare, che per vari motivi non è accaduto - per eccellere nel mezzo del settore, con i suoi alti e bassi, i pregiudizi e le esplosioni.

Il regista presenta le differenze nel suo tempo tra il cinema e la televisione e la difficile transizione per gli istrion in quel momento per spostarsi l'uno dall'altro, qualcosa che nel contesto attuale sembra inconcepibile, ancor più con la pletora di formati esistenti, ma da allora e fino agli anni '90, ha fatto una grande differenza. Il film mostra un enorme Bruce Dern che funge da bizzarro catalizzatore di complicità e compiacenza, nonché Luke Perry nella sua ultima esibizione, oltre a fare l'occhiolino recitazione di attori ricorrenti di Tarantino come Tim Roth, Michael Madsen o Kurt Rusell. Il film, il primo di Tarantino senza i suoi precedenti produttori a causa di due scandali sessuali, è stato distribuito durante il Festival internazionale del cinema di Cannes e ha ricevuto recensioni per lo più positive; Sebbene si possa accusare il ruolo di primo piano di un tragico evento, spiccano la direzione provocatoria e suggestiva del regista e le prestazioni modulate e carismatiche dei suoi protagonisti. Vale la pena ricordare che il suo successo di successo è garantito, tuttavia varrà la pena di sapere a quali premi potrebbe essere soggetto e, in particolare, come sarà preso a medio e medio termine dal pubblico e dai seguaci del regista.

Il crimine, Hollywood e la storia sono stati i punti centrali di altri film classici, che combinano due o tre degli argomenti elencati, redenzione, fatalità e destino innescati da varie situazioni concatenate, come una costante in Tarantino, fanno parte dello sforzo di Rick Dalton, Di Caprio, per essere qualcuno in cui il concetto di essere si rivolge più all'industria, al capitale e alla fama, che all'essere se stesso, lasciando vuoti, lacune e visti aperti sotto la copertura del caso. C'era una volta a Hollywood che dal suo titolo ci dicevano che quella Hollywood e lo spazio-tempo a cui assistiamo nel film non esistono più, era e non tornerà, come il tempo che il regista mette 50 anni fa, i suoi anni da favola, La sua infanzia.

4. KILL BILL THE REVENGE Vol 1 (Kill Bill V. 1) 2003

La prima parte del suo trattato sulla vendetta, Kill Bill, personificato da Uma Thurman nel ruolo di La sposa, presenta una premessa schietta dal suo titolo: uccidere Bill, i perché, le cause, forse le ragioni, i risentimenti, i motivi, saranno una parte importante della struttura della sceneggiatura che lo stesso ci cattura verso il passato piuttosto che verso il futuro che il protagonista potrebbe affrontare in caso di sopravvivenza del presente e dei suoi vericuetos. Impegnativo, scioccante e potente dal punto di vista visivo, Kill Bill è diventato immediatamente un riferimento per i futuri film d'azione e uno standard per i nastri coreografici, oltre a presentare sequenze assetate di sangue, violente e straripanti che mettono in apoteosi il canone Tarantino. . Il tentativo di assassinio di un bambino non ancora nato e le ragioni del fatto ci portano in questa storia presentata in due volumi, che sebbene servano la stessa storia e potrebbero essere definiti come un singolo film distribuito in due parti, mostrano una differenza sottile ma nota Vale la pena sottolineare o condividere in questo decalogo che, come in tutte le nostre consegne, si occupa dell'osservazione personale.

Per fare una retrospettiva, mi è piaciuta la prima parte più della seconda, forse a causa del senso di sorpresa che il primo viso ha causato, ma ritengo che la seconda abbia una maggiore profondità di personaggi, e su quella premessa ho sviluppato le sue sezioni. Oltre a riconoscere il cinema giapponese degli anni '50, nel suo insieme Kill Bill è un omaggio ai nastri di karate degli anni '70, sia cinesi che in particolare di Hong Kong, alcuni dei quali interpretati da Bruce Lee, e anche dall'anime che negli anni successivi hanno inondato l'industria grafica dell'intrattenimento giapponese; Si riferisce anche al pubblico di serie televisive come Kung Fu, con lo stesso David Carradine, Bill. Il volume 1 è stato piuttosto un evento per la data della sua prima e, come ha fatto, Violent Times acquisirà, oltre al culto e ai premi, uno status di nastro generazionale, influenzando vari cineasti, film e franchise successivi; Basta citare John Wick, dove la coreografia e la musica diventano un doppio elemento definitivo della sua struttura narrativa e visiva, e quindi il valore del lavoro del Maestro Woo-Ping Yuen. In Kill Bill V. 1, oltre alla vendetta come supporto movente e narrativo, spiccano la cospirazione, la complicità, la cospirazione, la determinazione e l'identità, formando un corollario di emozioni che sullo schermo si traducono in ferite, sangue, sguardi, azioni e reazioni esacerbate o di palese esagerazione.

La colonna sonora mescola brani di Ennio Morricone, Bernard Herrmann o Quincy Jones, e sta progredendo mentre The Bride avanza nel ruolo della sua lista, quella che include i nomi a volte degli obiettivi, richiamando il genere di macinacaffè e il suo bizzarro contenuto, oltre a cercando il compito di generare un simile impatto di attrazione nei confronti del provocatorio. Non è un caso che Tarantino abbia apprezzato così tanto il capolavoro di Oldboy coreano di Chan-wook Park da far parte di una trilogia proprio sulla vendetta.

3. KILL BILL THE REVENGE V. 2 (Kill Bill V. 2) 2004

Seconda parte del suo trattato sulla vendetta, Kill Bill V. 2 è un film che, sebbene completi una saga, ha una sua identità, radicata nel suo profilo più dialettico, attraverso dialoghi che sono più importanti delle scene d'azione prevalenti nella prima parte, ciò che prepara sottilmente gli eventi finali del volume e del nastro come concetto finale, attraverso un percorso di incontro e liberazione. Si potrebbe anche dire che analizzando i dialoghi è possibile avvertire che la trama ha sequenze da diventare, che potrebbero benissimo essere filmate da qualche altro regista, questo nel caso di confermare che dopo un decimo nastro di Tarantino non dirigerà più, il che non toglie che Scrivi diverse sceneggiature come all'inizio, evidenziando la sceneggiatura di True Romance diretta dal compianto Tony Scott.

Kill Bill V. 2 è un piacevole apprezzamento filosofico della compassione, della trascendenza come possibilità, nel cui centro tremore si trova, verità e ipotesi, lo sviluppo della trama offre una tensione più intensa rispetto al volume iniziale, e Ciò viene raggiunto dal regista senza fare appello alla violenza, ma nelle aspettative. In questo modo, il confronto finale è una sorta di culmine operistico che dopo lo straripamento di energia del primo volume, calma le passioni per farle fluire come quella liberazione consapevole che cerca il suo protagonista, il sollievo davanti al vuoto. Il film risulta non essere una lirica di vendetta in , ma anche un approccio alla rivelazione di una storia che è presa tra i tempi del suo sviluppo e che non va al passato come fa la sua sceneggiatura, né a diventare come annuncia la struttura narrativa come promessa, ma al presente che, come abbiamo indicato nella prima parte, sta nella sopravvivenza del protagonista nel presente, sì, motivato dalla repulsione per uccidere Bill o riscattarsi. Uma Thurman, David Carradine, Lucy Liu, Michael Madsen e Daryl Hannah fanno parte del grande cast della saga.

2. TEMPI VIOLENTI (Pulp Fiction) 1994

Una serie di storie intrecciate con il destino, i tempi e lo spazio capriccioso di trovarli dalla prospettiva dei loro personaggi, rendono i tempi violenti un film straordinario in un momento nella storia in cui la violenza nel mondo accade ma si nasconde nei recessi di un periodo postbellico e l'ascesa di nuovi orizzonti distintivi tra i confini. Nel mezzo di questi dibattiti globali, l'attenzione per ciò che accade tra le storie intime assume la forza della storia, dell'invenzione, della finzione, e in quella finzione della realtà, della violenza come inno disperato di ambizione, adeguamento dei conti e di successo, Gravita Tarantino offre il suo lavoro più apprezzato e il nastro che potrebbe benissimo, anche dal suo look vintage e regressivo, definire l'ultimo decennio del millennio.

Un film postmoderno la cui narrativa interpreta la struttura non lineare e allo stesso tempo strutturata in modo sensoriale, in cui i colpi di scena e le spiegazioni delle azioni dei suoi protagonisti non sono giustificate o giudicate, ma accadono e quando accadono lasciano congetture rotanti allo spettatore. Interpretato da un cast eterogeneo, Violent Times ha ravvivato la carriera di John Travolta e, a sua volta, la sua capacità di rendere la danza una linea della sceneggiatura che vive, e l'ha fatto al ritmo di Uma Thurman, Samuel L. Jackson, Tim Roth, Ving Rhames e Bruce Willis, Harvey Keitel e Christopher Walken, tra gli altri. Ragazza sarai presto una donna di Urge Overkill, posizionata fortemente come parte della colonna sonora, e non puoi mai dirlo da Chuck Berry nella melodia di una danza epica che ha reso emblematico il nastro, che riesce a rendere ogni sequenza una combinazione esilarante di musica, gesti, coreografie, smoking, sangue, acconciature arruffate, tradimenti e criminalità. Tra preludi, situazioni e confusioni della polpa del groviglio che unisce riferimenti culturali e controculturali che hanno permesso alla sua fiction di diventare molto popolare e anche acquisire notorietà per le nomination per l'Oscar in uno degli anni più competitivi della storia, Sogni di fuga, Quiz Show, Quattro matrimoni e un funerale e il vincitore, con disgusto di molti, Forrest Gump ; Tuttavia, i tempi violenti hanno abbagliato il Festival del cinema di Cannes e hanno ricevuto il Golden Palm. Il film gioca con ironia dal suo titolo, che si riferisce al cuore stesso della realtà che viene creata e dalla sua creazione genera uno e più storie che alla fine sono le stesse, e lo fa dall'immaginario immaginario del suo direttore di culto.

1. RISERVA CANI (Reservoir Dogs) 1992

Lavoro al vertice per i miei gusti del cinema Tarantino, capolavoro del cinema neonoir, Reserve Dogs è un film di base che acquisisce curiosamente quella categoria dopo il successo di Violent Times, quando i critici e soprattutto il pubblico rivisitano l'opera di debutto del regista per Comprendi l'impatto di ciò che ha generato un tale grado di stupore nel settore. Harvey Keitel, Tim Roth, Chris Penn, Steve Buscemi, Lawrence Tierney e Michael Madsen compongono l'epico cast di un film classico.

È proprio a causa di Harvey Keitel che questo film è stato girato con un budget più ampio, impegnandosi completamente nella sua realizzazione e attirando gli investitori per sostenere il nastro di un regista allora sconosciuto. Epitome del cinema indipendente degli anni '90, Reserve Dogs esplora la trama di una sceneggiatura straordinaria, dinamica, misteriosa e decisa, etichettando confusione e chiarezza, mantenendo nella propria privacy l'identità anonima di coloro che considerano, c'è qualcuno che ha denunciato il colpo dei criminali da parte dei criminali stessi, e quindi i fatti non si sono rivelati come previsto, il colpo di stato principale. Il gruppo criminale viene identificato senza conoscersi attraverso la catalogazione della sua denominazione per colore, un simbolismo che serve bene all'incrocio di proiettili persi e un contratto che, a sua volta, gioca con i progressi non lineari della sceneggiatura . Girotondo, analepsis, ellissi, parafrasi, flashback, portano il pubblico a un limite che comunica la violenza e la sensazione di soffocamento e sopravvivenza che elimina i legami di coloro che aspettano, come in L'angelo sterminatore di Luis Buñuel, in un tenere il suo risultato.

Con una forte influenza di The Killing di Stanley Kubrick, Tarantino schiera il suo arsenale di tecniche visive e narrative che giocano allo stesso modo con la sceneggiatura come con l'uso in primo piano sia di personaggi che di cose in attesa di eventi o precedenti, come se stesse preparando un battaglia e tempera la scoperta di più nodi per il pubblico mentre entriamo nella storia e ci identifichiamo con i personaggi fino a quando non li conosciamo, cosa che accade allo stesso modo. La presa di Pelham 123 di Joseph Sargent, The Wild Bunch di Sam Peckinpah, sono alcuni dei film che possono venire in mente dalla denominazione simbolica dei personaggi, dalla loro condizione di alleanza e tragedia, o da violenza come una risorsa, oltre al titolo che deriva da Le revoir les enfants, di Louis Malle.

L'umorismo nero che sarà caratteristico di Tarantino e i riferimenti puntuali dalla lingua appaiono fluentemente nella misura in cui la situazione limite viene mostrata in una sorta di risoluzione inesorabile dell'urgenza. Audace, brillante e pieno di energia, Reserve Dogs è uno dei migliori film degli anni '90 e film indipendenti degli Stati Uniti e, a mio piacimento, insieme a Violent Times, è nella migliore offerta del canone Tarantino.

* Scrittore e documentarista. Considerato uno dei principali esponenti della letteratura testimoniale americana ispanica. È autore dei romanzi El Surco, El Ítamo e le poesie Navigate Without Oars e Cardinal Points, che affrontano la migrazione universale e sono state studiate in varie università in tutto il mondo . Ha diretto i documentari The Human Voice and Rest Day . È direttore editoriale di Filmakersmovie.com.